viernes, 27 de noviembre de 2009

LISETTE MODEL

LISETTE MODEL



La colección de fotografías, que podemos ir a visitar en la sala AZCA de la fundación Mapfre, de esta reconocida fotógrafa me ha resultado de una naturalidad, espontaneidad y un intento más del reflejar la realidad y verdad de su propia vida, la vida de la época, a través de fotografiar a otras personas: transeúntes de la calle, en locales nocturnos, en casinos, escaparates, reflejos de la ciudad en los cristales de los escaparate…




Toda una selección de fotogramas analógicos en blanco y negro, tan reales y vivos como su técnica, en la que el fotógrafo trata y manipula la imagen de primera mano, en todos sus procesos.



Mediante unas citas que he recogido de la exposición, se podrá interpretar mejor su personalidad, todas sus vivencias y pensamientos impregnados en sus trabajos.



- “La cámara es un instrumento de detección; muestra no solo lo que ya conocemos, sino que además explora nuevos aspectos de un mundo en proceso de cambio constante. Nuevas imágenes nos rodean por todas partes. La rutina estéril, las convenciones y el miedo hacen que no las veamos. Encontrar esas imágenes significan tener el valor de mirar. Ser consciente de lo que nos rodea y de cómo es.”

- “Esta mujer era una conocida millonaria que jugaba en Montecarlo. Se puede sentir su poder- su imponente volumen y su elegancia, la elegancia de su sombrero, del encaje- y su seguridad. Fotografié todo esto además de su cuerpo voluminoso, algo que sigue interesándome y que siempre me intereso desde mis inicios, aunque sir ser consciente de ello. Sencillamente, me atraían las cosas grandes”.

- Obviamente creo que algunos de los retratos realizados en la Promenade des Anglais implican una cierta crítica social-aunque ellos no toso ellos-.

- “Tengo dos fotos de esta mujer, una sentada y la otra señalando con el dedo porque estaba hablando con alguien. Por supuesto , la fuerza de esta persona resultaba fascinante. No fotografié un monstruo, grotesco, como algunos han dicho. Sabía que era alguien con una gran personalidad, como muchas otras personas que he fotografiado”.

- “Deseaba enviar a mi hermana, que estaba en Francia, una foto para que viera lo que era la 5º Avenida. Y por casualidad me puse a mirar una de esas extraordinarias vitrinas y vi aquel fotomontaje natural. De inmediato me puse a hacer algo. Y se convirtió en una pasión…”

- “Comprendí lo que me fascinaba de la fotografía era el instante. La fotografía es el arte de la milésima de segundo que revela imágenes y aspectos de la vida que resultan prácticamente invisible para el ojo”.

- “Al dirigir el objetivo hacia algo, formulo una pregunta y la fotografía puede que sea la respuesta. Dicho de otro modo, yo no soy la persona que sabe o que quiere ofrecer la prueba de algo, al contario, yo soy la que recibe la lección”.

- “Me interesa la superficie porque es el interior. Todo el mundo tiene una manera de expresar su propio cuerpo, no solo su rostro. Cuando las personas se relajan y se abandonan, y no saben que alguien les está fotografiando son en gran medida ellos mismos”.

- “Fotografío todo lo que me atrae. Y esa atracción la que me guía. Me acerco y disparo. No cambia nada, no añado nada, casi siempre dejo cosas fuera del encuadre, simplifico, por supuesto simplifico mucho”.



Para finalizar solo comentar la dificultad que tiene el espectador de conseguir más información en la sala, puesto que no dejan hacer fotos y no dan una hoja de información, que permite ver el comentario del comisario de la exposición. En lugar de todo esto, nos ofrecen un libro que contiene las obras de la artista por el “módico precio de 40€”.

MUSEO DE LAS ARTES DECORATIVAS

MUSEO DE LAS ARTES DECORATIVAS

¿Qué sala del museo elegirías para hacer un reportaje de zapatos de lujo?



En primer lugar, he de presentarlo como uno de los primeros museos de esta temática creados en Europa. Su nombre originario, en 1871, fue Museo Industrial; en 1912, se le denominó Museo Nacional de las Artes Industriales; desde 1931hasta la actualidad, se le conoce con el titulo de Museo de las Artes Decorativas.



Adentrándonos en sus objetivos podemos decir que se centra en la finalidad educativa que tiene este tipo de museos, en los que podemos encontrar colecciones y recreaciones de ambientes de épocas anteriores de forma cronológica y sistemática. El museo, a día de hoy, está distribuido en cuatro plantas. En mi caso, solo he podido acceder a las tres últimas por cambio y restructuración de exposición en la primera planta.



En la segunda planta podemos encontrar:
- Salas del s. XVII: oratorio, cámara, estrado, sala, cocina.
- Cueros ornamentales: estuches del Tesoro del Delfín.
- Salas de colecciones: cerámica de Teruel, tejidos, cerámica de Talavera, sala del tesoro.



La tercera planta contiene:
- Salas del s. XVIII (cambio de costumbres bajo una dinastía): el nuevo gusto, cambios en el mobiliario (colecciones de joyería y plata), chinerías, el nacimiento napolitano, innovaciones técnicas (marquetería y porcelana), neoclasicismo, mobiliario europeo/abanicos, el gabinete/ porcelanas centroeuropeas, cerámica de Alcora, la alcoba, cristal de la Granja.




Por último en la última planta, cuarta, observamos lo siguiente:
- Salas del s. XVIII-XIX (la casa burguesa): el dormitorio, cocina valenciana, azulejos levantinos, mobiliario y figuras porcelanas, el gabinete de costura.




Después de la explicación del mapa del museo, me centraré en la opinión personal sobre la ubicación de zapatos de lujo dentro de una de estas salas. La verdad es que me ha resultado complicado elegir y decidirme por una sola sala, asique me ceñiré a comentar las otras salas que me han sugerido esta propuesta y finalmente la sala donde yo haría un reportaje de zapatos de lujo.

Las seleccionadas han sido: sala 2.10( sala del tesoro), 3.8( sala España y Europa), 3.7 ( sala neoclasicismo), 3.12(la central). Pero finalmente y sin lugar a dudas me he decidido por la sala 2.10-sala del Tesoro- puesto que es de menor tamaño, paredes de color azul (tono medio-oscuro) y esto genera una sensación de elegancia y simplicidad, y ante todo cede la importancia a la obra expuesta. Las piezas que se aprecian en esa sala, se encuentran en vitrinas de cristal transparente…y supongo que no hará falta mencionar que las piezas son joyas, tesoros, etc. Y este tipo de materiales no se dejan exponer en cualquier habitáculo.

domingo, 22 de noviembre de 2009

YO SOY ARTISTA ( Y TU NO)/ VASARELY

ESPACIO 8

YO SOY ARTISTA Y TU NO

La propuesta de ambos artistas –grafiteros , llamados “100%”(pablo) y “Kuhr”, me ha resultado muy interesante. La primera impresión al entrar en la exposición, fue la grata sorpresa de encontrar pinturas, dibujos y graffitis en ese espacio, ya que no es muy usual apreciar el arte urbano en galerías, sino más bien en la calle.



Las pinturas de ambos se pueden diferenciar por los siguientes elementos: KUHR lleva su imaginación aun mundo de juegos geométricos imposibles, característico del artista internacionalmente conocido ESCHER. El espectador puede apreciar esa intención que lleva a cabo el grafitero con la ayuda de la amplia gama de tonos que emplea en sus pinturas de pequeño formato.



100%porcino, por otro lado, nos delita con unos amigables monigotes fruto de la elaboración de historietas por medio de un lenguaje “urbano”.
Ambos se asemejan, al igual que se diferencian por elementos de sus representaciones, pero el lenguaje es similar: arte urbano.
Otro artista importantísimo en la escena urbana internacional, que me vino a la cabeza nada mas apreciar las piezas de la galería, es 3TTMAN: diseña desde hace años el cartel del festival “cultura urbana”.



Para concluir, solo comentar que la propuesta que proponen ambos artistas es muy actual, juvenil y sobre todo y ante todo urbana. Me parece una buena elección por parte de ESPACIO 8 de ofrecer la oportunidad de exponer a artistas nobeles.







GALERIA CAYON

VASARELY

Algunas de las piezas que pertenecen al importante precursor del OP ART o también llamado arte óptico, han sido expuestas en la galería Cayon.



Vasarely siguió muy de cerca la Escuela de la Bauhaus y a reconocidos artistas como es el caso de Mondrian y Malevich. Su inicio profesional se atribuye al mundo de las artes graficas, por medio del que pudo desarrollar los fundamentos esenciales del Op art, modelo propio del arte abstracto geométrico: obras interactúan con el espectador, provocando una sensación de movimiento virtual con efectos de ilusión óptica.



Con estas piezas , el artista pretendía provocar los sentimientos en el espectador, en lugar de simplemente apreciar los del propio artista.
En esta muestra “una mirada retrospectiva”, la galería deleita al espectador con 13 piezas originadas desde los años 40 hasta los 80. Sobre todo y lo más importante permite recorrer casi todas las etapas del artista y su evolución y acerca al espectador esta información de primera mano.

MIRROR MASK

MIRROR MASK (2005)

PROCESO DE CREACION-MASCARAS



Este film fue dirigido por Dave Mc Kean en el año 2005, que junto el conocidísimo ilustrador Neil Gaiman trabajaron en el guion. La música procede de la creación de Ian Ballamy; y de la fotografía se encargaron Tony Shearn, Jamie Niman, Dave Barnard. El reparto lo conforman: Stephanie Leonidas, Jason Barry, Gina Mckee, Rob Brydon, Dora Bryan, Stephen fry, Andy Hamilton, Victoria Williams, Robert Llewellyn, Simon Harvey.



La sinopsis de esta historia, de género fantástico, trata de lo siguiente: Helena es una chica que trabaja en el circo de su familia pero que sueña con abandonarlo y llevar una vida normal. Pero, en lugar de ello, de repente, aparece sumida en un extraño viaje por las Tierras Oscuras, un paisaje fantástico habitado por gigantes, pájaros mono y peligrosas esfinges. Helena deberá encontrar la Máscara de Cristal, un objeto cuyo enorme poder es su única esperanza para escapar de las Tierras Oscuras, despertar a la Reina de la Luz y volver a casa.
Por otro lado, voy a comentar la simbología que contienen las mascaras de cada personaje con su personalidad y el papel que desempeñan en el film. La “creación de la máscara” (en este film) la concibo como una única imagen-fachada intacta e inmóvil que debe representar al individuo en todos los estados de emoción por los que transcurra.




A continuación, voy a comentar las mascaras que me han resultado más significativas:
• Valentine, el compañero-traidor: su imagen define a una “persona veleta”, su máscara se asemeja a una gran careta de cartón sin expresión alguna, pero que como mínimo delimita su edad (chico joven).
• La reina de las tierras oscuras: su máscara de araña (con el “ojo que todo lo ve”)deja entrever sus malvadas intenciones. Los tonos elegantes que viste en toda la película y las recompensas que promete, hacen de ella una tentación para todo transeúnte que tenga intenciones de unirse al lado oscuro de ese mundo de fantasías creado por los dibujos y la imaginación de Helena.
• Pájaros-mono: se asemejan a las gárgolas por dos factores: su corpulencia (mono) y poder volar (pájaro). Otra característica que tienen es la imposibilidad de expresión verbal sin su pico.
• Maniquíes de las tierras oscuras: son femeninos robots dorados, que forman parte del servicio del reino del lado oscuro.
• Esfinges: todos los gatos tienen el mismo rostro, de s. humano; pero cada uno de ellos actúa de forma diferente, aunque tienen en común el fin de asustar al oler el miedo de los transeúntes.
• Acompañante de la reina (mundo de luz): mascara con forma de insecto; me sugiere una lealtad y subordinación dentro del reino.
• Reina de la luz: no lleva mascara pero sus vestimentas y estética luminosa y clara representan el lado bueno del mundo de fantasía; una objeción: el personaje es el mismo que la reina del lado oscuro.
• Helena con la máscara del espejo: refleja su autentico rostro, convirtiéndose en la autentica Helena e intercambiando el papel a la princesa del lado oscuro: su otro “yo”.

domingo, 15 de noviembre de 2009

DUSK & DAWN

ERWIN OLAF

DUSK & DAWN

GALERIA ESPACIO MINIMO


Es la cuarta exposición individual de Erwin Olaf y se muestran, por primera vez juntas, las dos últimas series del artista que dan título a la exposición, Dusk & Dawn, en la galería Espacio Mínimo hasta el 5 de diciembre.



Dusk (Anochecer) fue creada para la exposición Ámsterdam-New York Perspectives: Dutch Photography in New York en el Museo de New York. partiendo, por un lado, de la fascinación que siempre le causó la diversidad de sus habitantes, de distintas procedencias y colores de piel, y por otro, del interés que despertó en los afro-americanos la inclusión de su serie Blacks . Mas tarde, encontró la inspiración en un libro que incluía las fotografías realizadas alrededor de 1900 por Frances B. Jonhson en el Hapmton Institute. Las imágenes realizadas por la pionera fotógrafa que le intrigaron y le subyugaron por su gran calidad, mostraban a los afro-americanos de una forma inédita hasta ese momento: hombres y mujeres retratados con dignidad en hogares de clase media y en situaciones escolares en las que los profesores, en la mayoría de ellas, eran hombres y mujeres de raza blanca. Imágenes en las que en algunos elementos recrean la atmósfera de 1900 y muestran una historia en imágenes oscuras y aparentemente vacías, sin un contenido predeterminado, pero que son el inicio de la más inquietante y sugestiva narración.



El resultado de todo ello se puede apreciar en la retrospectiva: seis fotografías ,dos escenas, dos retratos y dos elementos decorativos- y un vídeo rodado en el mismo escenario y con dos de los personajes de las fotos, y que recomiendo ver desde el principio hasta el final por su alta tensión y expectación originada por los sonidos y el movimiento de éste.



Dawn (Amanecer) nace como un reflejo de Dusk. Igual esquema, idénticas situaciones, semejantes personajes, pero al contrario. La misma época en otro sitio. La evocación ahora, frente a ese New York de afro-americanos ricos, de una dacha rusa a principios del siglo pasado totalmente blanca y caucasiana.

Un extraño diálogo entre dos series concebidas como una unidad que se muestran por primera vez, como instalación única, en esta exposición.

WIM Y DONATA COMO SI FUERA LA ULTIMA VEZ

CIRCULO DE BELLAS ARTES

WIM Y DONATA “COMO SI FUERA LA ULTIMA VEZ”

Como si fuera la última vez es la exposición más completa sobre la obra fotográfica del director alemán Wim Wenders (Dusseldorf, 1945) y su esposa Donata (Berlín, 1965) (directora de fotografía de sus filmes desde 1995), y recoge una selección de fotografías tomadas por ambos en los últimos quince años.



Realizadas entre sus viajes personales y las pausas y descansos de los rodajes, las instantáneas de esta muestra reproducen dos mundos paralelos: uno en color en el que Wim Wenders retrata sobre todo lugares, y otro en blanco y negro, regido por su esposa Donata y habitado por retratos psicológicos y de estados de ánimo.




Los films representados en estas fotografías son los siguientes:
• El tiempo con Antonioni(1995)
• El final de la violencia (1997): las pinturas de Hopper le influyeron en esta película.
• Buena vista social club(1999)
• El hotel de millón de dólares (2000): el último lugar de desesperanzados, el corazón se asemeja a una bella durmiente.
• Llamando a las puertas del cielo (2005):W.W. y Shepard se unen después de 20 años, de Paris a Texas.
• Pallermo shooting (2008): los sueños tienen memoria, recuerdan todo.



La visión de ambos resulta, sin embargo, complementaria y está caracterizada por una pasión y un talento natural en el desempeño de la fotografía y la persecución de la belleza en movimiento.





B.I.D.A.

KEPA GARRAZA

B.I.D.A.(BRIGADAS INTERNACIONALES PARA LA DESTRUCCION DEL ARTE)

GALERIA SALVADOR DIAZ








La tercera exposición individual del artista se compone de una serie de cuadros de pequeño formato de su proyecto B.I.D.A.: cronología detallada de las acciones de un grupo terrorista imaginario, cuyos objetivos son las más emblemáticas obras de museos de todo el mundo.




Garraza plantea, desde la parodia, cuestiones sobre la supervivencia del arte y la implantación de un nuevo sistema de valores que promueva un nuevo y mejor arte.




Juega inteligentemente con el sentido del humor y su obra no deja de manifestar ideas y acontecimientos de plena actualidad y cargados de fundamento real. El pintor se mueve con gran habilidad entre el sarcasmo y la afirmación, creando al espectador una duda siempre sugestiva.

ENCUENTROS DE PAMPLONA 1972

EXPOSICION TEMPORAL MNCARS

ENCUENTROS DE PAMPLONA 1972: fin de fiesta del ARTE EXPERIMENTAL

Los Encuentros de Pamplona fue el festival más significativo y extenso de los acontecidos en nuestro país. Llego a ser parte del tour artístico del verano de 1972 que lo conformaban: festival de Spoleto, documenta 5 de Kassel y la 36º bienal de Venecia.




La línea direccional de sus obras respondían al dialogo entre vanguardia y tradición popular, interacción entre artistas y público, y la integración del arte en la ciudad (lugar público).



El festival se compuso de más de 350 artistas nacionales e internacionales, los cuales mostraron las últimas manifestaciones de la poesía visual, sonora y de acción; del arte conceptual, videoarte, arte informático, plástico y musical; música electrónica, minimalista y de acción; del cine experimental y de las vanguardias históricas.



En la retrospectiva que se ofrece en el Museo Reina Sofía hasta el 22 de Febrero, se exhiben una selección representativas de piezas organizadas en diversas; las dos principales se caracterizan por: la primera dedicada a las actividades de sus financiadores (Grupo Huarte, de carácter privado), la segunda dedicada a las actividades de sus organizadores(grupo ALEA, formado por artistas).La mayoría de las obras al ser de carácter efímero, únicamente se expone su documentación.
Los artistas que mas me interesaron de esta exposición fueron: Nacho Criado, Pio Guerendiaín, Juan Hidalgo, Leandro Katz, José Miguel de Prada Poole, Gonzalo Suarez y Lily Greenham.




Por último destacar las consecuencias que tuvieron estos Encuentros para el arte español de esa época. Ofrecieron un panorama de los movimientos más radicalizados de los años 60, los cuales estaban comenzando a perder importancia y a su vez estaban en su momento de mayor apogeo.

Para finalizar,tambien muestro alguna imagen de La Torre DE Leandro Erlich.


sábado, 14 de noviembre de 2009

viernes, 13 de noviembre de 2009

sábado, 7 de noviembre de 2009

MARIE RAYMOND-YVES KLEIN

En la muestra, que tiene lugar en el Círculo de Bellas Artes hasta el 17 de Enero, se han recopilado piezas de dos reconocidos artistas franceses : Marie Raymond e Yves Klein. La exposición reúne a madre e hijo por primera vez en España.




Sus creaciones se contextualizan en épocas artísticas diferentes, y esto queda reflejado en las obras representadas. Marie Raymond realizaba una abstracción de corte expresionista de posguerra; mientras que en la época de Klein se produjo una transición en el mundo artístico entre el arte objetual al arte conceptual.




La voluntad Yves Klein( junto con otros muchos artistas, de la época, en sus
respectivas obras) fue traspasar el lienzo bidimensional y romper con la practica pictórica tradicional: transición de las obras en 2D a 3D, del arte objetual al conceptual.



Por lo general toda su creación artística perseguía un mismo fin: devolver el protagonismo al color, dándole más importancia a su condición de realidad.
Como podemos observar en la exposición y en nuestra paleta de colores, Yves registró en 1960 la patente de la IKB(International Klein Blue),el también llamado “azul Klein”.



Para finalizar, solo comentar la importancia del video de la exposición, puesto que contextualiza y aporta todo los datos necesarios para en tender la obra de Klein, su época y su posicionamiento dentro del mundo del Arte.